El Renacimiento 2

La Escuela De Atenas
Rafael Sanzio representó a los clásicos en los campos de la filosofía, ciencia y matemáticas en su obra "La Escuela de Atenas", pintada entre 1510 y 1511. Esta pintura fue parte de una comisión para decorar con frescos las paredes de las habitaciones que hoy en día son llamadas las "estancias de Rafael", en el Vaticano. Los personajes de la pintura son mostrados en el entorno de una arquitectura romana, en unos nichos se puede apreciar la figura de los dioses Apolo y Atenea.

Escuela de Atenas

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Origen sagrado de las conchas en el Renacimiento

Algunos autores lo ven como una muestra de orgullo de los Maldonado por pertenecer a la orden de Santiago. Otros, señalan que la repetición de las conchas, fue una muestra del amor que sentía Don Rodrigo por su esposa Doña María.

Sobre el dintel de la puerta aparece el escudo de los Maldonado coronado por un cetro. Según la leyenda las lises fueron conseguidas por Aldana, un antepasado de los Maldonado, tras vencer en duelo al Duque de Normandía. El Rey de Francia, para evitar la muerte de su hijo "maldonó" las lises a los Aldana, que a partir de ese momento pasarían a llamarse Maldonado.

También hay una leyenda en la que se cuenta que bajo una de las conchas de su fachada se encuentra una onza de oro, para atraer la buena suerte.

El empleo de las conchas se puede observar en la "Casa de las Conchas de Salamaca", un edificio d estlo gótico y elementos platerescos.
Lo más destacable sin duda es su fachada decorada con más de 300 conchas(con una disposición de estas que se hace a tresbolillo, en rombo) y múltiples blasones y escudos.

Uso Religioso

En la Edad Media, la vieira, se convierte en el gran símbolo de la cristiandad, siendo utilizada por los cruzados y peregrinos como señas de su ideología; La religión hindú tiene una gran tradición mitológica y religiosa, concentrándose en la buena fortuna. Por esta razón, estas conchas se adornaban con láminas de oro y plata y se utilizaban en sus celebraciones litúrgicas.

Santiago de Compostela

es una ciudad y municipio de España, situada en la provincia de La Coruña, siendo la capital de la Comunidad Autónoma de Galicia desde 1982.
Destaca por ser un importante núcleo de peregrinación cristiana, tras Jerusalén y Roma, debido a la creencia de que allí se dio sepultura al Apóstol Santiago el Mayor.

La historia de Santiago de Compostela se remonta a la llegada de los romanos, y como punto de inflexión el encuentro del enterramiento del Apóstol Santiago. A partir de ese momento la ciudad se conformará entorno al centro de poder representado por el Arzobispo de Santiago y su representación física, la Catedral. El Camino de Santiago marcó desde entonces el devenir de la ciudad.

Basílica de Santiago.

Rutas de peregrinación hacia Compostela

Desde el año 1000, los peregrinos se reunirían en Arlés para tomar la ruta vía Tolosana.

Tras hacer escala en Saint-Gilles du Gard y Montpellier, los peregrinos cruzaban el Valle del Hérault, luego hasta Montarnaud y La Boissière, alcanzaban las abadías de Aniane y Gellone, en Saint-Guilhem-le Désert.

Escultura italiana

La historiografía divide este período entre los siglos XV y XVI, en dos etapas que toman el nombre de Quattrocento y Cinquecento.
Mientras en el resto de Europa imperaba todavía el arte gótico, en Italia comienza en el siglo XV el Quattrocento o Renacimiento temprano. A partir de aquí triunfa el Hombre y la Naturaleza. La escultura va por delante de la arquitectura y de la pintura, desarrollándose vertiginosamente
Esta etapa del Quattrocento comenzó con la obra escultórica de los relieves de las puertas del Baptisterio de Florencia realizados por Lorenzo Ghiberti, un joven escultor de veinte años. El segundo gran escultor de este periodo fue Donatello, diez años más joven que Ghiberti. Fue mucho más polifacético en su obra, concentrándose sobre todo en la figura humana
El Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferenciadas en cada una de las dos mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera y el manierismo en la segunda. Una de sus características principales es el gusto por la grandiosidad monumental, teniendo siempre presente el hallazgo del Laocoonte y sus hijos clásico,

El Renacimiento

PINTURA RENACENTISTA:
La pintura renacentista se desarrolló entre el arte de la Edad Media y el arte Barroco. Lleva el nombre de “renacimiento” debido a que en aquella época se quiso recuperar la antigüedad clásica. En esta pintura resaltan las nuevas sensibilidades y técnicas artísticas. Cada artista busca su propio estilo. El pintor representa la naturaleza en sus obras y coloca al ser humano dentro de esta. El más notable precursor fue Giotto, quien resaltó en sus obras la gran importancia del espacio, mediante la ambientación de paisajes que tenían como base rocas, árboles, pájaros, etc. Su arte tuvo gran influencia sobre sus contemporáneos y sucesores, en Florencia.
En la Grecia clásica, el artista era considerado un maestro en las artes, esto fue lo que el artista renacentista quería demostrar, quería demostrar que un pintor o escultor no está al mismo nivel que un artesano u orfebre. Gracias al Renacimiento, la profesión del pintor fue elevada a muy altos niveles, ya que los reyes y mecenas empezaron a decorar y a rodearse de artistas y de sus maravillosas obras. Por ejemplo Rafael y miguel Ángel, ellos realizaron grandiosos encargos a los Papas.
Características:
• Búsqueda de la perspectiva.
• Uso de temas mitológicos, alegóricos y religiosos.
• Predomina el retrato.
• Técnicas usadas: el fresco, el temple y el óleo.
• La composición centra el tema y distribuye el color, el volumen y las formas.
• Desarrollo del claroscuro, el cual culmina junto con la luz en el esfumato leonardesco.
• Se le daba mucha importancia a la expresión de las figuras.
• Los soportes usados para las obras son techos, paredes, tablas y lienzos.
• Es narrativa: Expone historias y sucesos, ya sean reales o ficticios.
• Es realista: Las figuras están reproducidas con gran cuidado, para que se parezcan en todo a sus modelos reales.
• El cuadro da una sensación de profundidad.
• En el centro del cuadro suele estar ubicado el punto de vista del pintor.
• Se suele preferir la distribución simétrica de las figuras en la obra.
• Los esquemas de composición preferidos son el triangular y el rectangular, a veces combinan dos triángulos.
• Predomina el interés hacia el cuerpo humano, particularmente el desnudo. La anatomía se estudia y copia con extremo cuidado.
• La técnica del óleo empieza a ser usada a partir del siglo XV en vez del temple. Esta técnica facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.

La pintura renacentista Italiana
Italia fue la cuna del Renacimiento y todas sus manifestaciones. La pintura renacentista está representada principalmente por Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Giotto, Piero della Francesca, Sandro Botticelli y Perugino.
Giotto es considerado el antecesor del Renacimiento, debido a que él comenzó a darle tridimensionalidad a sus figuras, manejó con gran destreza las sombras, los pliegues de las ropas y las expresiones faciales de sus figuras.

“La Natività” de Giotto.

El Primer Renacimiento (Quattrocento)
Sus representantes fueron Masaccio, Fra Angelico, Paolo Uccello y Filippo Lippi. Junto con ellos surgió una técnica revolucionaria: el óleo.
Los artistas de este periodo empezaron a normalizar las proporciones humanas, a diferencia del gótico. La tridimensionalidad fue perfeccionada, formándose así las bases del estilo renacentista.
La siguiente generación de pintores llevarán al Renacimiento a su plenitud: Sandro Boticcello, Domenico Ghirlandaio, Andrea Mantegna y Piero della Francesca. La novedad fue la perspectiva, poniéndose en práctica también el escorzo.

El Cinqueccento

Los representantes de esta etapa fueron Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano, en ese orden cronológico.
Leonardo Da Vinci: Además de pintor fue también científico, ingeniero, escultor, biólogo, músico, arquitecto y filósofo. Leonardo utilizó un estilo inventado por él mismo en sus pinturas, el sfumato, que consistía en difuminar las sobras de la persona pintada para que logren confundirse con el fondo oscuro.

“La Gioconda” de Da Vinci

Miguel Ángel: Sus obras en la escultura y pintura son consideradas las mejores de toda la historia. En sus obras se puede apreciar la dramática y enérgica fuerza que desprenden.

“La Sagrada Familia” de Miguel Ángel

Rafael: Podría haber llegado a superar a Miguel Ángel, de no haber sido víctima de la fiebre, la cual terminó con su vida. Sus obras demuestran gran calidad y maestría.

"La Dama del Velo” de Rafael

Tiziano: Sus obras demuestran más que un estilo renacentista, un estilo barroco. Destacan sus retratos.

“La Asunción” de Tiziano

ESCULTURA RENACENTISTA:

Se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la antigüedad clásica, de donde los escultores del renacimiento sacaron inspiración para sus propias obras; Como además se inspiraron de la naturaleza.

Italia tuvo un fenómeno casi exclusivo; El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval y reconocimiento de los clásicos con toda sus variantes.

Características

*Tomó como base las obras de la antigüedad clásica y su mitología.
*Se buscó la representación naturalista del cuerpo humano.
-Cuerpo humano desnudo.
-Menticuloso estudio de la anatpmía humana.
*En Italia: convivio temas religiosos con temas profanos.
*España y Alemania: prevalecen temas religiosos.
*Liberación de la escultura del marco arquitectónico: perspectiva y expresiones dramáticas.
*Se restablece el uso de los entalles de piedra fina.

"David" de Miguel Ángel

Materiales

*Mármol: el más apreciado fue el de la Carrara. De alta calidad, blanco inmaculado y gran capasidad de sus canteras. Preferido por Miguel Ángel.
*Bronce: compitió con el mármol. Utilizado en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas.
*Alabastro.
*Mármoles rosas.
*Madera: más utilizada en España y Alemania por su riqueza forestal; También se usó policromada.
*Terracota: material más económico, utilizada en color natural y policromada.

Técnicas

La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos del Renacimiento con la perfección que había tenido durante el periodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad.

El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel fue el arrancar el mármol de un lado como si trabajara un relieve y, de esta manera, paso a paso, sacar la figura completa.

La talla en madera, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol.

Composición:

Bulto Redondo.
El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:

*la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las creaciones del hombre. Los diferentes miembros deben guardar relaciones simétricas exactas con el esquema general en su conjunto.
*Búsqueda de la perfección de la anatomía humana.
*Los rostors mostraron sentimientos internos.

Detalle del rostro del "David" de Miguel Ángel.

Relieve

*La escultura flamenca junto con la de países germánicos se desarrolló con un realismo que se apreciaba en todos los detalles ornamentales.
*También en España, la influencia gótico-flamenca junto conla italiana se recogió en relieves.
*Los monumentos funerarios fueron desarrollando diferentes fases de composición, llegando a tener la representación de los difuntos en actitud orante.
*En España se originó el estilo plateresco, el cual representó el cambio de las formas de decoración en los edificios con elementos escultóricos.

Busto

*Siguieron siendo utilizados en el Quattrocento, con el parecido físico pero también la personalidad del retratado.

Estatua ecuestre
*La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce.
*Los estudios de Leonardo da Vinci conllevaron un cambio en la representación del caballo, en las esculturas de caballos realizadas. que se colocó apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo.

Arte Gótico 2

Escuela Sianesa:

Los pintores de esta escuela tuvieron una metología más inspirada en los modelos y técnica de la maniera greca.
Tuvo una notoria expresividad lírica, no hubo preocupación por los problemas técnicos ni proporciones, parte de la estilización como lo fue el uso de fondos ornamentales dorados.
Siena, ciudad Gibelina, tuvo contacto con fuentes bizantinas del arte italiano, eso modeló la sensibilidad para lo ornamental que caracteriza el arte Sianés.
En 1285, Duccio di Buoninsegna pintó la Madonna Rucellai, donde la armonía cromática en los vestidos proporciona la nota de refinamiento que va más allá del ícono bizantino por el cual fue inspirado el cuadro; Aunque su cuadro más celebrado fye la es la "Maestà" de la Catedral de Siena, en el que destacan el gusto refinado en la vestimenta y el estudio del rostro de cada personaje.

Pero es en el retablo de la Anunciación con Lippo Memmi para la catedral de Siena donde se muestra con mayor claridad la asimilación de los ideales del arte gótico por los pintores de la escuela sienesa. Las formas delicadas,la magnificencia de los vestidos y la belleza de los cuerpos delgados aproximan este retablo a la orfebrería gótica o al arte de las miniaturas.

Los colores ocres que usaron ampliamente Duccio, Martini, los hermanos Lorenzetti y otros pintores de la escuela sienesa van asociados para siempre a la ciudad de Siena, son la "siena tostada" y la "siena natural",extraídos de unos pigmentos de tierras de color procedentes de la campiña toscana.

Escuela Florentina:

La Pintura del Doecento, en Italia, estaba dominada por un estilo de pintura mural o mosaico caracterizada por la composición plana y por su temática y estética bizantina. En el Siglo XIII, pintores como Cavallini y Cimabue, incluyeron elementos paleocristianos en sus obras.

La ciudad de Florencia, junto con la ciudad de Roma habían sido los reductos más persistentes de la tradición clásica durante la etapa de la Pintura del Doecento, caracterizada por sus acentos bizantinos que dominaba el arte de la pintura en la Italia del Duocento.

El programa iconográfico didáctico del arte gótico se mantiene, pero sus formas ya no son esquemáticas como en las estatuas o los mosaicos, sino que en sus escenas brilla la armonía de las proporciones del cuerpo humano y las gradaciones tonales.

Sobre el fondo de arquitecturas o paisajes dibujados en complejas perspectivas, Giotto desarrolla el espació pictórico, un ámbito de tres dimensiones que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pintura del Trecento y el más importante avance de la Pintura. Con el espacio pictórico nace la pintura moderna.

Comparación de Iglesia románica con iglesia gótica.

Iglesia Románica: Colegiata de Santa Cruz de Castañeda.

Iglesia Gótica: La Catedral de Reims.

ARTE CAROLINGIO

Imperio Carolingio
S VII
El imperio Carolingio surgió a partir de la política de reyes francos como Pipino y Carlomagno. Ese periodo (año 800) es conocido como renacimiento carolingio, en comparación con la decadencia cultural del siglo anterior.

ARTE CAROLINGIO
En el arte Carolingio el arte empieza a desarrollarse a partir de la creación de la escuela Palatina de Aquisgrán, por Carlomagno.
En lo referente a arquitectura la principal aportación del arte carolingio fue la construcción de iglesias con planta basilical, como Saint-Denis, de tres naves.
Otra manifestación artística carolingia fue en escultura en la que se utilizo principalmente el marfil (tuvieron un formato pequeño para facilitar el transporte), los ejemplos conservados son escasos pero de gran belleza.
Otro punto artístico son las pinturas y mosaicos con las que decoraba los templos carolingios, aunque hallan solo algunos restos.
En general el arte carolingio presenta una marcada influencia estética del arte bizantino

Arte gótico

El arte gótico apareció a continuación del románico, en Europa, en Francia a mediados del siglo XII, por un periodo de más de trescientos años, aparecindo varias veces en diferentes años en los diferentes lugares de Europa. Este arte coincide con el tiempo de plenitud y crisis de la Edad Media: con el máximo desarrollo de la cultura urbana y el tiempo en que aparece la burguesía, universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas; Además de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años; Esta guerra encierra a una serie de conflictos armados entre Francia e Inglaterra. Duró 116 años, desde 1337 hasta 1453. Sucedió debido a que se debía definir el sucesor a la rama principal de los Capeto, y quién tomaría control sobre las grandes posesiones de los monarcas ingleses en territorios franceses desde 1154, como consecuencia de la toma del poder de Enrique Plantagenet.

Feudalismo

El la época del arte gótico renacen el comercio y las ciudades; produciéndose en los países mediterráneos un notable crecimiento económico el cual apoya el crecimiento de la producción agrícola y un auge en el comercio.

El arte gótico surgió durante la época del feudalismo, y terminó en el mismo año que esta organización política (el arte gótico llegó a su fin en el siglo XV en Italia). El feudalismo tuvo su auge en Europa occidental entre los siglos IX y XV. Esta organización consistió en tener al rey a la cabeza, seguido de los nobles, el clero y finalmente el campesino. Un país estaba dividido en feudos, los cuales eran extensiones de tierra que eran gobernadas por un señor feudal o un noble. En los feudos trabajaban los campesinos, los cuales también pagaban impuestos.

Las Cruzadas

El arte gótico apareció aproximadamente un siglo después del inicio de las cruzadas, las cuales duraron hasta el siglo XIII. Las cruzadas tuvieron como propósito la reconquista de Tierra Santa, es decir; liberar los lugares santos del dominio musulmán. Es por este motivo que estas campañas militares que fueron, por lo general, hechas a petición del Papado, estaban en contra de los turcos selyúcidas y sarracenos (musulmanes).


En contraste con la arquitectura del románico la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes.

¿Por qué se relaciona lo gótico con lo oscuro?

Ahora al pensar en gótico, pensamos en personas oscuras, en una moda o tribu urbana la cual es de personas que se visten de negro, se maquillan de negro y usan vestimentas como botas de cuero y sacos negros.

La palabra gótico surge de "godo", en sentido peyorativo usó este término para denominar la arquitectura anterior al Renacimiento, propia de los bárbaros; Por lo que el término para aquellas personas no se define por época.

Lo más interesante es que el arte gótico se relaciona más con luz, vitrales. Lo más propable es que relacionen ese estilo algo tosco con la arquitectura de las construcciones góticas ya que a simple vista parecen lugares misteriosos y oscuros, con originales decoraciones que no dan la impresión de aperura ni de luz; es quizás que por eso se le llamó así a esta tribu urbana, aunque en nuestra opinión, el término debería cambiarse pues en el arte gótico, sí existe la luz, más que la oscuridad.

Arte Bárbaro 2

Germánicos:

Los pueblos germanos o germánicos fueron una etnia de origen indoeuropeo que pertenecía al grupo de las tribus que ocupaban la región ubicada al norte del Imperio Romano, conocida como Germania.

El momento más representativo fue el sepulcro de Teodorico I.

Constó de cuatro etapas:

1. Arte de los pueblos bárbaros.

2. Arte celta.

3. Renacimiento cardingio.

4. Prerrománico español.

El arte de los pueblos que invadieron el Imperio Romano Occidental resulta muy primitivo si se compara con el arte bizantino o el paleocristiano, apenas sabían representar a la figura humana; Es por eso que se desarrollan más las artes menores con armas, piezas de adorno(hechas en oro y plata)decoradas con piedras preciosas o vidrios policromos.

Lombardos:

Siglo VI, primeras manifestaciones fueron relieves(iconografía bizantina).

Los lombardos fueron un pueblo germánico originario del Norte de Europa que invadieron la Italia bizantina en 568. Establecieron un Reino de Italia que duró hasta el año 774, cuando fue conquistada por los francos.

Durante su fase nómada, los lombardos crearon mayormente arte que pudieran llevar con ellos.
La arquitectura lombarda floreció gracias al impulso dado por los monarcas católicos a la fundación de monasterios para promover su control político.

Morovingios:

La Dinastía Merovingia fue una familia de estirpe germánica que gobernó la actual Francia, Bélgica, una parte de Alemania y de Suiza entre los siglos V y VIII.

Se desarrolló un arte en Fracia, caracterizado por el uso de la piedra y el ladrillo con construcciones sencillas. El arte característico de este período es la orfebrería. También desarrollaron la pintura mural sobre frescos y las miniaturas.

Destacan:

1. Criptas.

2. Basílicas.

3. Baptisterios. (Destinados al bautizo.)

Sajones

Los sajones procedieron de Noruega. Estas tribus se asentaron en tierras inglesas, en las cuales recibieron influencias tanto celtas como romanas. Casi no existen restos de sus construcciones, ya que eran de madera. Sin embargo, también construyeron una que otra basílica en piedra, la cual estuvo inspirada en modelos paleocristianos, como por ejemplo la de Canterbury. Las cruces de piedra fueron su expresión artística más característica. Éstas fueron utilizadas desde el siglo VI de nuestra era, por ejemplo las de Ruthwell y Bewcastle. Estas cruces eran levantadas sobre grandes basamentos y decoradas con formas zoomorfas y vegetales. Sin embargo, a veces también mostraban sencillas escenas con temas de la biblia. Éstas son el precedente de las cruces irlandesas, las cuales poseen una rica e interesante iconografía.

Catedral de Canterbury

Cruz de Ruthwell

Cruz de Bewcastle

Los visigodos

Los visigodos tuvieron origen en Suecia y Dinamarca, asentándose en la península Ibérica en el siglo V, luego de haber pasado por Lombardía y de haber peleado al lado de los romanos en la frontera búlgara. Ellos aprendieron latín y fueron cristianizados, pero dentro de la corriente arriana. Esto tuvo influencia en la posterior concepción de sus templos y en los motivos decorativos de su arte. Fueron un pueblo culto, se afincaron en España de manera pacífica.

Hermita de Santa María

Arte Bárbaro

El arte bárbaro tuvo su máximo esplendor entre los siglos V y VIII de nuestra era. Geográficamente, abarcó el espacio de las provincias de imperio romano de occidente y la misma Roma. Los bárbaros destacaron en la orfebrería, ya que al ser nómadas su arte fue más que nada un arte móvil y con un fin decorativo. Es por este motivo también que existen muy pocas obras arquitectónicas bárbaras.

Fíbula aquiliforme

Les apasionó la simetría, la estilización y los materiales coloridos. Ellos utilizaron piedras incrustadas en el metal, y se especializaron en el efecto del color. Por ejemplo, tenemos la fíbula aquiliforme. Esta pieza tiene forma de águila (podemos apreciar el zoomorfismo), la cual se relaciona con el dios Odín. Esta obra está sobrecargarda de esmaltes, los cuales dan el acabado colorido que ellos quisieron alcanzar.

Arte románico

El arte románico se distinguió por sus pilares, el empleo de arcos de medio punto, el uso de piedra no pulida, las bóvedas y por no tener figuración escultórica. Aunque poseía en algunos templos imágenes ya sea de Dios o representaciones de alguna parte de la Biblia.
Este fue un estilo predominante en Europa en especial en Italia, Francia, Alemania y España.

Podemos observar además bóvedas de semitambor y naves amplias las cuales servían para que las personas puedan visitar el templo sin necesidad de interrumpir la misa.

Análisis de algunos templos:




San Martín de Frómista.
En esta imagen podemos apreciar los arcos de semitambor, las bóvedas y la piedra no pulida.




Monasterio de Leyre.
En el pórtico de este monasterio(otra característica del arte románico) podemos observar los arcos, las bóvedas además de ajineses, la cual es una ventana compuesta de dos arcos que comparten una columna intermedia. Además en la parte superior se puede apreciar imágenes esculpidas y adornos en los arcos.




Este es un ejemplo de la forma ideal de la planta de un templo románico, en forma de cruz latina.

Ensayo: El arte y los artistas

A lo largo de varios siglos, el arte ha sido una parte importante de la vida de las personas, siendo objeto de admiración y, muchas veces, de repulsión. En el presente ensayo sobre “El Arte y los Artistas” presentaremos cómo el estilo y representación personales han sido alabados y, al mismo tiempo, criticados.

El Arte no existe, pero sí los artistas. Según la época y lugar, “Arte” puede tener diversos significados, aunque en esencia es un fantasma. Muchos consideramos arte a aquello que nos gusta o que nos hacer recordar algo que ya hemos apreciado antes. Por este motivo existe una serie de causas que hacen que algo nos guste o no. Usualmente las personas preferirían ver un cuadro donde se muestre la belleza de la naturaleza. Sin embargo, esta preferencia puede ser nociva si es que por este motivo rechazan obras que muestren temas menos agradables, ya que la belleza de una obra no reside en la belleza del tema, sino en la manera como el tema es representado. Lo que ocurre es que muchas personas no lo ven así, sino que para criticar una obra se basan en sus gustos y criterios personales. Además, depende también de lo sencillo que le sea a la persona entender el sentimiento que es transmitido por medio de la obra.
Es importante admirar la destreza con la cual el artista logra representar lo que se propone; es por este motivo que una imagen que no cuenta con una gran cantidad de detalles puede resultar tan buena como una muy detallada, ya que el artista ha logrado representar lo que quería haciendo uso de un trazo libre y simple. No existe un dibujo incorrecto, porque está bien alterar o modificar un tema como el artista guste. Por ejemplo, Pablo Picasso realizó un trabajo caricaturesco que logra expresar la personalidad del personaje presentado en la obra, en este caso un gallo. Lo que sucede cuando obras de este tipo son criticadas, es que las personas tienden a aceptar colores o formas tradicionales como si fuesen normas. Es por esto que muchos artistas buscan realizar una obra siempre con ojos nuevos, es decir, con una mente abierta, y de esta manera es como se logran las obras más interesantes. Por ejemplo, tenemos el cuadro de Caravaggio “La Inspiración de San Mateo”, que fue rechazado por mostrar su visión y no la que era la norma de la época sobre cómo debía ser un cuadro que presente un santo. Es decir, los obstáculos que le pusieron a Caravaggio impidieron que él se expresara plenamente y que se pueda gozar de la obra en su totalidad, y eso es incorrecto. No debemos olvidar que las obras de arte son realizadas por humanos que han necesitado tomar múltiples decisiones para poder producirlas y además, tener un propósito.

En conclusión, siempre debemos ver las obras de arte con la mente abierta (en especial las contemporáneas) y no dejarnos llevar por nuestros gustos y preferencias, sino que debemos saber admirar la habilidad de los artistas para plasmar las ideas que tienen en la mente.

El Arte Románico

El arte románico fue un estilo predominante en Europa en los Siglos X, XI y XII d.C. Este arte no estuvo presente en Italia, sino también en Francia, Alemania y España y en cada país tuvo características propias. (1) Trató de mostrar ideologías religiosas, mostrando a un dios acusador y tuvo un preámbulo gótico. Su arquitectura fue tosca y modesta inspirada en estructuras bizantinas y tuvieron además como "logo" a las bóvedas de piedra creadas por incendios por madera.

La época dorada del estilo, en la última mitad del Siglo XI y la primera del Siglo XII, sucedió en Francia, teniendo como características: (1)

1. Escultura en fachadas
2. Puertas
3. Ventanas
4. Canecillos

Los Bárbaros:

En el imperio estuvieron los bárbaros, no llamados así por causar desastres sino porque así se llamaban a los extranjeros, además de ser un conjunto de migrasiones masivas.

Significado: De cualquiera de los grupos de pueblos que en el siglo V invadieron el Imperio romano y se extendieron por la mayor parte de Europa, o relativo a ellos. (2)

Esto significa que los bárbaros no eran exactamente personas violentas como se toma el significado actualmente, sino una forma de llamar a los extranjeros que no hablaban griego pero su lengua materna sonaba como un balbuceo, es por eso que surge la palabra 'bárbaro', porque significa balbuceo. Y la palabra tiene origen griego pero fue tomada después por los romanos.

Arte bárbaro:

El arte bárbaro comenzó después de la caida del imperio romano y tuvo un chque entre dos corrientes, la cultura romana mediterránea(figurativa, representación del hombre y la naturaleza) y la abstracta del arte bárbaro(geocentrismo, formas vivas)(4)





Opiniones:
Nuestro grupo considera que el arte románico y bárbaro es muy interesante pues ambos son corrientes muy distintas buscando representar diferentes cosas, uno buscó representar al hombre pero el otro buscó más la represetación de animales.

El arte románico era más que nada espiritual y más colorido además. Pero tiene gran diferencia con la percepción actual de la religión pues actualmente se ve a un Dios que perdona las faltas; En el imperio romano se lo veía como un dios acusador. Pensamos que la manera de pensar de las personas ha cambiado mucho sin importar los trabajos artísticos del pasado pues podrían pensar que Dios es acusador pues las muestras históricas lo demuestran pero irónicamente es en Roma donde está el Vaticano y ahí Dios es capaz de perdonar.

El arte Bárbaro muestra quizás el porqué del significado actual de la palabra, además de ser invasores, éste arte es más tosco y muestra quizás un instinto guerrero. Actualmente bárbaro no es un extranjero, sino una persona tosca o incluso alguien que ha logrado mucho y tiene una virtud sobre añguna actividad o arte.

Integrantes:
Cecilia Ramírez
Genoveva Mendoza
Mónica Núñez.

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(1) http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_romanico
(2) http://www.wordreference.com/definicion/barbaro
(3) http://es.wikipedia.org/wiki/Barbaros
(4) http://www.arteguias.com/artebarbaro.htm

¿Qué es el arte?

Durante décadas las personas se han preguntado qué es el arte y su importancia. Muchas opinan que es una "manera de expresarse", otros indican que el arte es todo lo que hay a nuestro alrededor, lo que podemos percibir y apreciar.
Según reconocidas páginas como Wikipedia "el arte es la actividad o producto en los que el ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos; como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos."(1)

Pero luego de debatir en clase y ver un video sobre diferentes opiniones, pudimos ver que, definitivamente, el arte para casi todos es una manera de expresarse, pero muchos añadieron un aspecto importante, que el arte se puede apreciar. Aunque muchas veces un niño puede hacer un dibujo el cual un crítico diría que no es arte, sus padres lo verán como una obra maestra, por lo que ya lo vuelve arte, dependiendo de los ojos de quienes lo ven.

Otra idea sobre qué es el arte es que es una virtud, disposición o habilidad para hacer algo. (2) Este concepto nos da a entender un poco más sobre la expresión "El arte de..." que se utiliza cuando una persona es diestra en alguna disciplina. Significa que lo que hagamos puede volverse en cierto modo, arte; Como el arte de hablar en público, o de componer melodías. Todo esto aún entra en el concepto de arte como una manera de expresión(ya que toda acción expresa algo) y que puede ser apreciado por otra persona.

Pero, luego de definir para cada cual qué es, debemos preguntarnos por qué es importante. El arte nos ha permitido conocer sobre las culturas antiguas, qué cazaban, qué actividades realizaban, como las artesanías o las pinturas rupestres que representaban qué animales cazaban.

En conclusión, el arte es lo que uno lo considere como tal, pero todos coinciden en que es una forma de expresarse al mundo, además es una ventana al pasado.

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(1) http://es.wikipedia.org/wiki/Arte
(2) http://enciclopedia.us.es/index.php/Arte